北京有全世界最熱忱的文藝青年。2007年9月，皮娜·鮑什（Pina Bausch）首次在北京演出，天橋劇場座無虛席。中央芭蕾舞團團長趙汝蘅還在進行演出前的致辭，二樓已經有人激動得失聲痛哭。 五年之后，香港舞蹈家曹誠淵和他的團隊以及合作者帶來了“北京舞蹈雙周”。七年之后，這項國際舞蹈盛事已經成為聯動世界各地舞節、舞團、舞校、舞者的重要交流平臺。 2014年7月，北京解放軍歌劇院和繁星戲劇村的演出場場爆滿，舞者賣力的演出令觀眾叫好，觀眾經久不息的掌聲也令舞者得到極大滿足。就算在當代舞的發源地美國和德國以及最熱捧現代舞的荷蘭，舞者們也好久沒享受到這樣的熱愛和贊美了。 “對于中國富有想象力的年輕人來說，現代舞讓他們看見一種身體的可能性。”曹誠淵說。每一場演出之前，他都以中英文雙語耐心介紹舞團背景與叮囑觀眾勿看手機。上世紀70年代開始，曹誠淵即致力于現代舞在中國的啟蒙，他的口頭禪是“現代舞是中國的文藝復興”，而他所做的正是傳播有含金量的文藝價值。 美術館沒有利于彈跳騰挪的木地板和聚光的舞臺，然而意外的空間為舞蹈提供了另外的可能。 2014年“北京舞蹈雙周”最好的兩場演出，當屬以色列維帝戈舞蹈團（Vertigo Dance Company）的《印象》和荷蘭巴拿馬映畫舞蹈團（Panama Pictures）的《咫尺；從心》。 前者是抽象表現主義，表達猶太教神靈顯現帶來的狂喜與領悟；后者是現實主義，演出相遇不相知的人間悲喜劇。兩個作品都是非常出色的現代舞作品，又有當代藝術的感覺。 《咫尺；從心》以荷蘭作者馬爾切·沃爾特（Maartje Wortel）的短篇小說和澳大利亞視覺藝術家陳志勇（Shuan Tan）的插畫為靈感，又融入了每一個舞者自身的經歷。巴拿馬映畫的創始人皮雅·繆森（Pia Meuthen）喜歡邀請不同門類的藝術家合作，她的編舞融合舞蹈、文學、音樂、雜技、裝置藝術，呼應著現代舞的跨界傳統。 早在1971年，美國編舞家布蘭德·魏（Brenda Way）就曾集合舞者、畫家、作家、攝影師和音樂家組建共同體，綜合不同領域的想法，碰撞出創意火花。 西班牙編舞家約書亞·西恩富爾戈（Yoshua Cienfuegos）則從文藝復興時期達·芬奇的畫作里獲得靈感，創作了《1618達·芬奇》。他以數學計算設計舞者的動作和走位，詮釋達·芬奇的偉大。 另一位荷蘭編舞家阿爾諾·斯海特馬克（Arno Schuitemaker）的作品《第十五回|雙人》本身就像一件行為藝術作品——兩位舞者相互糾纏、相互支撐，將平凡肢體化為神奇視覺。 “舞周”開幕前，雷動天下的舞者在北京紅磚美術館熱身，表演環境舞蹈，與當代藝術空間互動。這座今年5月才開業的美術館位于何各莊一號地國際藝術區，很多炙手可熱的當代藝術家都在那里工作。 美術館是保存和展示作品的地方，舞蹈卻是呈現隨即消失的藝術。美術館沒有利于彈跳騰挪的木地板和聚光的舞臺，然而意外的空間為舞蹈提供了另外的可能。今年3月，香港城市當代舞團就曾于太平山頂呈現了一場講述“平衡”的環境舞蹈《舞·聲·道》。要適應自然，舞者需要更多自由。 馬蒂斯說：“我極為喜歡舞蹈，舞蹈是一種驚人的事物：生命與節奏。” 舞蹈是視覺的，繪畫也是視覺的，兩者都是人類最古老的藝術形態，從古埃及開始就有剪不斷的聯系。在中國，漢代就有畫像石和墓室壁畫，十六國北涼開始，莫高窟中就繪有起舞的飛天。 在西方，從波提切利隨風起舞的女神開始，舞者就是永遠的繆斯和模特。勞特累克的《紅磨坊的舞蹈》、雷諾阿的《煎餅磨坊的露天舞會》、德加的《舞蹈課》、蒙克的《生命之舞》，舞者起舞，畫家記錄，一向如此。 曹誠淵還記得自己十來歲第一次看現代舞的感覺：“舞者并不是很美，但是他們的身體讓我感覺到一種說不出的震撼。”馬蒂斯也有跟他類似的表述：“我極為喜歡舞蹈，舞蹈是一種驚人的事物：生命與節奏。” 1906年，馬蒂斯畫下五個人一起跳沙灘圓圈舞“沙達那”的《歡樂的生活》，從此開始描繪舞蹈。畫中流淌著原始的生命力，在他筆下，線條第一次成為舞蹈流動的痕跡。 在此之后，馬蒂斯又數次描繪舞蹈：1909年畫了《有<舞蹈>的靜物》，1910年畫了《舞蹈》，1912年畫了《金蓮花與作品<舞蹈>》，1943年創作了剪紙拼貼《舞蹈》。舞蹈成了馬蒂斯展示線條和色彩功力的殺手锏。 在現代舞與當代藝術交相輝映的20世紀，兩者你中有我、我中有你。 20世紀初，美國舞蹈家伊莎多拉·鄧肯（Isadora Duncan）自由起舞。與此同時，視覺藝術家也背離傳統創造新“主義”——布朗庫西拋棄了他給羅丹當助手時學到的寫實技巧，康定斯基則開創了抽象藝術。1905年，野獸派的年輕畫家首次在巴黎舉辦畫展；1909年，科柯施卡（Oskar Kokoschka）在維也納展出第一批實驗作品。 美國后現代編舞家崔莎·布朗（Trisha Brown）、西蒙·佛提（Simone Forti）、伊凡·瑞娜（Yvonne Rainer）和史提夫·派克斯頓（Steve Paxton）等人都與視覺藝術家交往頗多，西蒙·佛提甚至嫁給了裝置藝術家羅伯特·莫里斯（Robert Morris）。 他用舞者特有的身體自由和“人類能量”占領了世界頂級美術館的大廳。 英籍德國藝術家提諾·賽格爾（Tino Sehgal）獲得了2013年威尼斯雙年展金獅獎，他最初是一位舞蹈演員，觀念與西蒙·佛提一脈相承，而舞蹈和當代藝術在他這里最終起了化學反應。 1999年，提諾作為編舞家創作了舞蹈《二十世紀的20分鐘》，這個55分鐘的作品由全身赤裸的舞者表演20種不同類型的舞蹈。三年后，提諾從舞蹈劇場轉向現場表演。2002年，他在法國南特創作了成名作《吻》，這是一件“身體雕塑”（Living Sculpture），材料仍是經過他培訓的身體。 在創作中，提諾說自己的角色“就好像戲劇導演或編舞家”，只是作品不在劇場或舞臺進行，而是發生在紐約現代藝術博物館中央大廳或倫敦泰特現代美術館渦輪大廳。 2013年11月，他帶著兩件作品《這個進步》和《這個變化》來到北京尤倫斯當代藝術中心。《這個變化》由一群在黑暗中舞蹈的舞者構成，他們數小時不停歇地舞動呼號，觀眾可以自由選擇旁觀、加入或退出。 舞蹈經驗使提諾創作出完全不同于一般當代藝術的作品，它們不是物質實體，甚至不是行為藝術，他用舞者特有的身體自由和“人類能量”（Human Energy）占領了世界頂級美術館的大廳。 20世紀三四十年代，攝影師伊莫金·坎寧安（Imogen Cunningham）和芭芭拉·摩根（Barbara Morgan）為舞蹈家瑪莎·葛蘭姆（Martha Graham）拍下了令人難忘的肖像。從1975年開始，蓋特·魏格爾特（Gert Weigelt）跟拍皮娜·鮑什和烏帕塔舞蹈劇場達35年之久，這是一個曾經的舞者對舞蹈的追隨和理解。 經典照片可以作為博物館的藏品，可舞蹈本身如何收藏？ 2008年，紐約現代藝術博物館推出行為藝術及舞蹈作品展，將兩者并置展出。今天，兩者保存和流傳的方式非常類似，觀眾可以親眼目睹瑪麗娜·阿布拉莫維奇與舊情人執手相看的感人場面，也可以一遍遍回放重溫《穆勒咖啡館》。 舞者以身體為器，行為藝術家也是，有人說瑪麗娜·阿布拉莫維奇與皮娜·鮑什有很多共通之處。但皮娜·鮑什的重要之處在于，她影響了許多非舞蹈領域的藝術家。 行為藝術家是具有忍耐力的普通身體，而舞者則擁有經過訓練的專業身體。并且，他們都在探索“人為何而動”。 |
